miércoles, 29 de agosto de 2018

La fusión en el siglo XX (Sexta parte)


 El Jazz Acústico.
La música fusión fue un gran éxito en el mercado del disco en los años 70 y 80, al combinar los sonidos agresivos del Rock, con la música latina y el New Age en el estilo del Jazz. Los estudios de grabación fueron el laboratorio desde donde se moldeaba el nuevo sonido. Sus creadores eran gente de mucho talento, vendieron cientos de miles de discos, dieron conciertos en ciudades de varios continentes, que generaron grandes ganancias,  algo impensable para una artista u orquesta de música clásica. Como era de esperarse  surgió una también una avalancha de imitadores y repetidores hasta el cansancio con fines comerciales.
Entonces los puristas del Jazz alzaron su voz de protesta.
Cansados de los sonidos electrónicos, los ritmos candentes y agresivos del rock, los sintetizadores y toda esa parafernalia  aparatos, volvieron a las fuentes originales del Free Jazz y el Bebop.
Por ejemplo, la publicación de agosto de 1984,  Down Beat,  describe el arsenal de tableros y teclados  de Zawinul, el líder de la banda Weather Report en el momento de lanzar su álbum Domino Theory.
El montaje de Zawinul incluye siete teclados: un  Oberheim 8 Voice, un ARP Quadra, un  E-Mu Emulator, un  Rhodes Chroma, un  Sequential Circuits Prophet 5, un  Korg Vocoder con teclado auxiliar  y un  Prophet T-8…. Adicionalmente, Zawinul usó una máquina de percusión   Linn LM-1, un  Sequential Circuits Polysequencer, y varios armonizadores y unidades de retardo digital.

Nace entonces  la corriente del Jazz Acústico como una reacción a la Fusión del Jazz con su bagaje de tecnología. Una vuelta a la sencillez del pasado.
Se impone en este género un tipo de música más sofisticada, libre e íntima, ejecutada por solistas, dúos,  tríos o cuartetos con gran virtuosismo. El nombre de acústico proviene de las guitarras tradicionales o acústicas.
Entre los solistas y grupos más destacados tenemos:
Django Reihart (Guitarra).
Charlie Byrd (Guitarra).
Joe Pass (Guitarra)
Baden Powell (Guitarra)
Pat Metheny (Guitarra)
Paco de Lucía (Guitarra)
Keith Jarred (Piano).
Wynton Marsalis ( Trompeta)

Keith Jarret: Fusión entre el Jazz, la armonía clásica y el arte de la improvisación.
Ciertamente, el músico norteamericano Keith Jarrett (nacido en Allentown, Pensilvania,  de mayo de 1945) es un pianista y compositor de jazz bastante representativo de esta tendencia. Jarret  ocupa un lugar especial dentro de los movimientos de vanguardia. Un artista  versátil e inquieto que pasa del jazz a lo clásico con mucha facilidad. Keith es un  genio de la fusión e improvisación que pude tocar media hora sobre un pequeño motivo, sin repeticiones.
Su  producción más sobresaliente son las grabaciones  de piezas improvisadas (en directo) durante los conciertos de  Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades.
Como intérprete de música clásica ha ejecutado a compositores del barroco:  Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas asociaciones como es el caso de la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri. También interpreta   autores  modernos  como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició  su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.
Ha grabado varios álbumes, casi todos  con el sello ECM.


The Köln Concert (1975) ECM. Es uno de los álbumes de jazz más vendidos de la historia.  El concierto está dividido en tres partes, cada una con una duración de 26, 34 y 7 minutos, respectivamente. En este disco, Jarrett realiza improvisaciones solistas en el "Cologne Opera House" en Köln, Alemania. Este álbum lo consagra como uno de los grandes del Jazz del siglo XX, marcando un camino para futuras generaciones.
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My Foolish Heart -  Live in Montreux, 2007 (ECM). Un álbum doble  Con el trio Jarret- Gary Peacock y Jack DeJohnette. Incluye varios temas de otros autores.
1. "Four" (Miles Davis) - 9:09
2. "My Foolish Heart" (Ned Washington, Victor Young) - 12:25
3. "Oleo" (Sonny Rollins) - 6:37
4. "What's New?" (Johnny Burke, Bob Haggart) - 7:54
5. "The Song Is You" (Oscar Hammerstein II, Jerome Kern) - 7:43
6. "Ain't Misbehavin'" (Waller, Harry Brooks, Andy Razaf) - 6:41
1. "Honeysuckle Rose" (Razaf, Waller) - 6:45
2. "You Took Advantage of Me" (Lorenz Hart, Richard Rodgers) - 8:54
3. "Straight, No Chaser" (Thelonious Monk) - 10:05
4. "Five Brothers" (Gerry Mulligan) - 6:36
5. "Guess I'll Hang My Tears Out to Dry" (Sammy Cahn, Jule Styne) - 11:09
6. "Green Dolphin Street" (Bronisław Kaper, Ned Washington) - 8:18
7. "Only the Lonely" (Cahn, Jimmy Van Heusen) - 6:15

Aqui en este video Jarret y su trío en una sesión intensa de Jazz.




Jarret y Corea interpretando a Mozart....




sábado, 25 de agosto de 2018

La Fusion en la música moderna (Parte 5)



Bitches Brew:

 Mezcla de bichos, un título algo curioso para una canción. 
La trompeta de Miles Davies por encima de una jungla de sonidos exóticos y heterodoxos : Guitarras eléctricas, tambores, bajo eléctrico…. . 
Música cautivante y compleja si un estilo definido, impulsada hacia adelante por un ritmo diabólico, especie de danza ritual infinita. ¿Caótica, improvisada?
La aparición en 1970 del álbum Bitches Brew (Columbia CBS)  del músico  Miles Davis trajo una verdadera revolución en el Jazz, similar a la Consagración de la primavera de Stravisnky en  la música clásica, a comienzos del siglo XX. Fue algo maravilloso para algunos oyentes sorprendidos de la época, descubrir  aquellos nuevos sonidos electrónicos en la década de los 70, en los ritmos de  Jazz, el rock, la música Africana  y Latina.
Parte del éxito se debió a su productor Teo Macero un músico con formación académica, quien se inspiró  en los estudios de música concreta electrónica de los años  40 en Europa. Teo  reunió una banda de jóvenes músicos para grabar su música y luego aplicó técnicas de edición, Post Producción creando efectos especiales, realmente  novedosos para la época. Las grabaciones comenzaron el 18 de agosto de 1969, con la intención de recrear las jam sessions sin ataduras que se realizaban en el estudio, improvisando de forma continua.  
Los miembros de la banda eran
·         Miles Davis - trompeta
·         Wayne Shorter - saxo soprano
·         Bennie Maupin - clarinete bajo
·         Chick Corea, Joe Zawinul y Larry Young - piano eléctrico
·         John McLaughlin - guitarra eléctrica
·         Dave Holland - contrabajo
·         Harvey Brooks - bajo eléctrico
·         Jack DeJohnette, Lenny White y Don Alias - baterías
·         Juma Santos - percusión (aparece acreditado como Jim Riley)
Como explica Paul Tingen en su artículo THE MAKING OF THE COMPLETE BITCHES BREW SESSIONS

Poco después de la grabación de Bitches Brew, en agosto de 1969, muchos músicos  ahora- en el álbum legendario,  formaron  sus propias bandas, todos explorando el idioma del jazz-rock. Joe Zawinul, Wayne Shorter y Airto Moreira formaron Weather Report; Herbie Hancock y Bennie Maupin configuran la banda Mwandishi; John McLaughlin y Billy Cobham prepararon  Mahavishnu Orchestra; Chick Corea y Lenny White comenzaron la Return to Forever  y así sucesivamente.
Además de todo esto, Bitches Brew fue un éxito comercial. Se convirtió en tanto el mundo del jazz como de Miles Davis el mejor vendido  y fue un disco de oro a pocos  meses de su lanzamiento.
Antes de Bitches Brew,  la banda de Miles Davis tocaba en pequeños  clubes de jazz para tan sólo 30 personas. Después de Bitches Brew, la banda compartió el escenario con muchos de los grandes del rock de la época y tocó en  grandes salas como el Fillmore West  y festivales de rock como el Festival de la isla de Wight en el verano de 1970.
 El disco del Album contiene los dos LP de la grabación original.
1.      "Pharoah's Dance" (Zawinul) 20:07
2.      "Bitches Brew" (Davis) 27:00
3.      "Spanish Key" (Davis) 17:30
4.      "John McLaughlin" (Davis) 4:23
5.      "Miles runs the voodoo down" (Davis) 14:03
6.      "Sanctuary" (Shorter) 10:54.





martes, 21 de agosto de 2018

Las fusiones en el siglo XX (Cuarta Parte).


Las fusiones en el siglo XX (Cuarta Parte).
El Jazz – Bossa.
El bossa nova es un género musical  brasileño derivado de la samba y con una fuerte influencia del jazz. Música de ensueño que cautiva el oído con sus complejas armonías cromáticas y disonancias que rozan la atonalidad.
Gracias a Dorival Caymmi («Saudade de Bahía», 1957) y al descubrimiento que figuras estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron del   bossa nova, se produjo una importante fusión conocida como Jazz-Bossa.
Entre los pioneros fundadores del género tenemos a Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto y  Astrud Gilberto. Además de estas figuras  hay que mencionar otros artistas  como Flora Purim, Edu Lobo, Airto Moreira, Baden Powell, Paulinho Da Costa, Vinícius de Moraes, Zimbo Trío, Sergio Mendes, Hermeto Pascoal, Dom Um Romão, Paulinho da Viola o Eliane Elias;  todos han desarrollados trabajos en el ámbito de la fusión del jazz y la bossa.
Quizás la canción más conocida de la bossa nova es La Muchacha de  Ipanema,  de Tom Jobim y Vinicius de Moraes, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés.
Stan Getz.
Sin duda alguna, el sonido del Bossa Jazz se identifica con el sonido suave y sensual del saxofonista Stan Getz, la voz acariciante de Astrud Gilberto y Charlie  Byrd en la Guitarra…
En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando con Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter.
En 1961 regresó a Estados Unidos y se hizo muy aficionado de la música brasileña bossa nova, por su cadencia y ritmo relajado y romántico, es así que el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue Jazz Samba, su primer álbum de bossa-nova grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim: So Danco Samba. Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de jazz en 1963 por el tema Desafinado.
El siguiente paso de esta armoniosa fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. Su colaboración en La muchacha de  Ipanema (1963) ganó el Grammy, haciendo el estilo de Jobim. Otro grupo bastante exitoso en proyectar el Bossa-jazz a nivel mundial fue Sergio Mendez en  su álbum Brasil 66.




domingo, 19 de agosto de 2018

La fusión en el siglo XX (tercera parte)



Fusion Jazz – Música electrónica.
La fusión del Jazz con la música electrónica y el Rock, para crear un nuevo género, se dio a partir de los años 70 con Miles Davies como el gran Padre creador y cuyo tema Bitches Brew es considerada la piedra fundacional de este movimiento…  Estas nuevas bandas incorporan todo un arsenal de nuevos instrumentos como guitarras eléctricas, pianos,  órganos eléctricos y sintetizadores. Es  un sonido cautivante de mezclas de varios registros que se fusionan de manera suave, produciendo un efecto hipnótico y relajante. Se designa como Jazz electrónico o también Jazz fusión.  Desde entonces la nueva fusión ha crecido de manera exponencial con el avance de la tecnología y la aparición de otras variantes  y subgéneros como como Electro Jazz, Jazz Funk, Kosmigroov,  NuJazz,…etc.  Surgidos en los años 80 y 90.
Chick Corea.
Uno de los grandes intérpretes del piano eléctrico. Alcanzó notoriedad con su banda de Jazz fusión Return to Forever creada hacia finales de 1971 y liderada por el pianista Chick Corea. Junto Weather Report, Mahavishnu Orchestra y The Headhunters se les considera los pioneros de la fusión electrónica en el jazz
Su primera formación estaba integrada por el mencionado Chick Corea en teclados, Stanley Clarke en bajo, Joe Farrell en saxo soprano y flautas y Airto Moreira en la percusión. La esposa de Airto, Flora Purim, ejerció el trabajo vocal de la banda.
En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterísta Dave Weckl.
De Chick Corea tenemos los siguientes álbumes de Jazz fusión.
1.      Return to Forever. Tras un tiempo de experimentación, en febrero de 1972. Los miembros de la banda Return to Forever,  graban su primer álbum, titulado con el mismo nombre del grupo, en el que se incluyó la célebre composición de Corea llamada La Fiesta.
2.      Light as a Feather – Con la cantante Flora Purim, interpretando la canción del mismo nombre del álbum. . Un compilado de melodías brasileras reinterpretadas desde las influencias del Jazz al que venía apuntando el grupo. Fue grabado en septiembre de ese mismo año. Finaliza con el tema Spain, en donde escuchamos parte del Concierto de Aranjuez de Rodrigo, seguido de unas audaces improvisaciones en la flauta y el teclado.
3.      Voyage. Un álbum grabado en 1984 con el flautista Steve  Kujala dentro del género fusión Jazz. Con improvisaciones dentro del estudio como Diversions y Free fall. También contiene la pieza Mayorca inspirada en la música de Paco de Lucía.
4.      Eye of the beholder. Grabado en 1988 en Los Ángeles con el  quinteto The Elektric band.  Aparecen  nuevas composiciones en uno de los mejores álbumes de Corea con su nueva banda. Es una obra maestra de ingeniería de sonido por la alta calidad de los instrumentos y la impecable grabación en los estudios de Hollywood. El tema Eye of the Beholder presenta ritmos latinos bailables.
5.      Beneath the Mask. Con Chick Corea y The Elektric Band, grabado en 1991. Contiene buenos temas de fusión del tipo Funk -Jazz. Buena percusión y sonido ambiental.



martes, 14 de agosto de 2018

La fusión en el siglo XX (Segunda parte)


El  Jazz latino


El jazz latino es una rama del jazz que se nutre de la fusión de ritmos y formas originarias de la música latina, sobre todo la cubana y la brasileña, con elementos propios del jazz. Su conformación como un subgénero definido se produce en 1943 con el surgimiento del jazz afrocubano y años más tarde con la creación de la bossanova en 1957. No obstante, la influencia de la música latina en el jazz está presente desde los primeros tiempos de este. El jazz latino con el tiempo se enriqueció con influencias musicales procedentes de Argentina, Puerto Rico, República Dominicana, Venezuela, Colombia y el resto de Latinoamérica.
En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos hispanos.  La presencia de elementos hispanos se mantuvo en el jazz de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fue la big band de Machito, crisol en el que se fundieron los ritmos cubanos y las frases jazzísticas,​ y cuya influencia se extendió a un gran número de músicos, entre ellos Dizzy Gillespie, quien lo bautizó como cubop o bop Afrocubano,​ aunque finalmente quedó recogido en la historia del jazz como "jazz latino".
Entre sus ejecutores más destacados, además de los citados, están: Chano Pozo, Tito Rodríguez, Mario Bauzá, Dámaso Pérez Prado, Chico O'Farrill, Ray Barretto, Johnny Pacheco, Eddie Palmieri, Carlos "Patato" Valdés, Tito Puente, Tata Güines, Irakere,  Paquito D'Rivera, Bebo Valdez, Willie Colón, La Orquesta de la Fania, Chucho Valdez, Oriente López….



Las fusiones en la música del siglo XX. (Primera parte).



I. Fusión del Jazz norteamericano con la música culta europea.
El tema de las fusiones en la música es bastante complejo y controversial. Una fusión es la unión de dos estilos para dar origen a un nuevo estilo de música.
Con el agotamiento de la tradición romántica europea aparecen nuevos intentos renovadores y caminos por explorar. Uno de los más interesantes es la introducción de los ritmos e instrumentos de las bandas de Jazz, por parte de los compositores de música clásica seria como Igir Stravisnky, Darius Milhaud, Georges Antheill, Ravel  y otros. Es innegable que el sabor del Jazz y sus ritmos sincopados permearon una tradición de varios siglos, rompiendo los diques de contención y dejando las aguas correr de manera libre…
En sentido contrario vemos como los músicos de raigambre popular hicieron una estilización del Jazz para entrar en los grandes salones de concierto. Ya hemos mencionado en este blog dichas experiencias por parte de George  Gershwin, Ferde Grofé y Duke Ellington.
Citando a  la Wikipedia:
Desde el comienzo del jazz han existido intentos por generar un "entendimiento" entre ambos géneros, siendo los más destacados las experiencias de Paul Whiteman con Ferde Grofé, y las obras de George Gershwin (Rhapsody in blue, An american in Paris y Porgy and Bess, especialmente). Más tarde, Duke Ellington desarrollará varias obras en esta búsqueda de una fusión clásica….   
Todo ello fraguó, en las décadas de los 50 y 60, en la aparición del género jazzístico denominado Third Stream. ​ Sus más conocidos representantes son Gunther Schuller, David Baker, el Modern Jazz Quartet y, en una línea muy diferente, Jacques Loussier.
Con parámetros parecidos, pero con un planteamiento menos ambicioso y más intimista, el sello discográfico alemán ECM, desarrolló entre 1975 y 1990 un amplio abanico de opciones de fusión con la música europea.







martes, 10 de abril de 2018

Las Suites Modernas VII.



La Suite Francesa, absolutamente francesa, de Darius Milhaud.


El amor hacia el suelo patrio ha sido siempre motivo  de inspiración para muchos compositores modernos a la hora de expresarse. Estos sentimientos de nostalgia por el terruño- ¿Vuelta hacia el pasado? - surgen de manera natural y se hacen más fuertes cuando se trata de compositores que han emigrado de su país, como fue el caso del músico francés  Darius Milhaud, quien se residenció en los Estado Unidos desde 1940 hasta 1947.
La forma de suite encaja muy bien en este tipo de música programática en donde se describen lugares, aspectos  de la naturaleza o episodios importantes. La Suite que presentamos, contiene una serie de cuadros, evocadores de las distintas regiones geográficas más cercanas al autor, pintadas con notas de mucha emoción.

Francisco Rivero. MIlhaud. 2018

Milhaud escribió la  Suite Française en  1944 para una comisión de una editorial, siendo la misma  publicada en 1945.  Los editores estaban  buscando una pieza para bandas  de High School, y Milhaud cumplió su tarea  maravillosamente. Fue estrenada por la banda de Goldman en Nueva York el 13 de junio de 1945.  Milhaud también creó  posteriormente versiones para orquesta y piano 4 manos.  
El estilo de Milhaud es claro y directo, con algunos toques de música popular. Además emplea técnicas modernas como la bitonalidad.
Refiriéndose a esta pieza en la partitura,  Milhaud hace los siguientes comentarios
Durante mucho tiempo  he tenido la idea de escribir una composición apta para los fines de la escuela secundaria y este fue el resultado.En las bandas, orquestas y coros de   secundarias y universidades en Norteamérica donde encontramos los jóvenes de la nación, es obvio que necesitan música de su tiempo, no demasiado difícil de ejecutar, pero, sin embargo manteniendo el idioma característico del compositor.Las cinco partes de esta Suite toman el nombre de provincias francesas, las mismos en que los ejércitos estadounidenses y aliados lucharon junto con el francés en la clandestinidad para  la liberación de mi país: Normandía, Bretaña, Ile-de-France (de la que París es el centro), Alsacia-Lorena y Provenza (mi región natal).He utilizado algunas canciones populares de estas provincias.
Quería que el joven americano  escuchara las melodías populares de aquellas partes de Francia, donde sus padres y hermanos lucharon para derrotar a los invasores alemanes, que en menos de setenta años han traído guerra, destrucción, crueldad, tortura y asesinato, tres veces, a la gente pacífica y democrática de Francia.
La suite Francesa se estructura en cinco movimientos:
1.      Normandie
2.      Bretagne
3.      Ile-de-France
4.      Alsace-Lorraine
5.      Provence
Discografía:
(Versión para gran orquesta) S. Celibidache. Filarmónica de Munich. EMI
(Versión para banda de vientos) En el video.