Wilhelm Peterson-Berger. Un romántico del siglo XX.

La música de Wagner  vive por siempre. Hoy escucharemos a uno de sus tantos admiradores. Wilhelm Peterson-Berger (1867-1942), compositor sueco influenciado por Grieg  y Wagner. Por cierto, se cumple este año el bicentenario del nacimiento de Wagner.

Sus seis sinfonías han sido grabadas por el sello CPO, dirigidas por Michail Jurowski. De las  seis    sinfonías  de Peterson hablaremos un poco de la segunda. La Sinfonía  No.2 en mi bemol mayor llamada, Sunnanfärd ("El viaje del viento sureño"), compuesta en 1910. Es una obra en tres  movimientos poco convencional en cuanto a estructura semejante a la música del cine, en donde presenciamos una serie de cuadros sinfónicos independientes  entre sí que se van desarrollando en el tiempo o tal vez un infinito poema sinfónico cuyas notas evocan  aventuras de viaje.  Este autor, bastante  influenciado por Wagner utiliza una gran orquesta con una paleta tímbrica bastante rica que crea efectos de mucho sensualismo, cautivantes para el oído. 

Francisco Rivero. Peterson Berger. 2013.

Es un tipo de obra programática, que describe un viaje imaginario hacia el sur, desde la perspectiva de un  hombre nórdico, acostumbrado al frío. No sé si esto  pueda ayudar al oyente para poder entender y apreciar mejor esta obra. De cualquier manera es música de fácil audición, con bellas melodías,  y armonías suntuosas, que gusta por sí misma, sin necesidad de explicaciones  extra musicales.

Sin embargo hay que tener tres  cosas: tiempo, tolerancia  y paciencia, para poder familiarizarnos con esta obra. Esto es una constante que se da  en todos los compositores del romántico tardío de comienzos del siglo XX, cuando no había radios, ipads, internet y otras cosas que nos han acortado el tiempo de atención. Es una obra de 45 minutos de duración con repeticiones y largos desarrollos. Tened paciencia.

Peterson Berger es conocido por una suite de piezas para el piano, llamada Flores de Froso. Aqui escucharemos una versión orquestal de la misma.

Charles Koechlin: Maestro de la orquestación.

La música de Charles Koechlin (1867-1950) es poco conocida. Quizás este olvido sea involuntario. De cualquier manera, su obra ha permanecido algo opacada por la de sus contemporáneos más famosos e innovadores como Debussy y Ravel. Su música ligera de exquisito gusto impresionista, flota en el aire como un poema inconcluso  hecho de frases algo inconexas, que se regodea en su propia belleza y, aunque nos deleitamos con ella,  parece no llevarnos hacia ninguna parte. Quizás esto explique el por qué no tuvo muchos seguidores durante su tiempo de vida, ni tampoco después. Sin embargo fue un gran orquestador.

Francisco Rivero. Koechline. 2013.

Este compositor francés nació en París en  1867.  Entre 1890 y 1898 estudió en el Conservatorio de París, donde fue discípulo de Taudou, Massenet, Gédalge y Fauré. En esta época compuso numerosas colecciones de melodías. En 1898 Fauré le encargó la orquestación de la música de escena de Pelléas et Mélisande. Poco después presentó sus primeras composiciones para orquesta, entre las que se encuentran La Nuit de Walpurgis classique (1901-1907) y L'Abbaye (1899-1908).

A partir de 1911 trabajó el género de la música de cámara, componiendo tres cuartetos de cuerdas, algunas sonatinas para piano y un quinteto para piano.  En esta época también compuso los ballets La Forêt païenne (1908) y La Divinne Vesprée (1917). Sus obras orquestales más importantes surgen a partir de 1925, entre éstas tenemos  los mpoemas orquestales La Course de Printemps (1925), La Méditation de Purum Baghat(1936) y La Loi de la Jungle (1939). Su Symphonie d'hymmes (1910-1933) fue galardonada con el Premio Cressent. En su última etapa vuelve a dedicarse principalmente a la música de cámara. Desde 1917 impartió clases tanto en París como en diferentes universidades de Estados Unidos de América. Como teórico escribió diversos tratados, como Traité de l'Harmonie (1928) y Traité d'orchestration (1944).

Koechlin compuso cinco sinfonías, siendo la más conocida su Sinfonía de las Siete  Estrellas (1933), inspirada por el mito de Holliwood. El estaba fascinado con las películas y escribió muchas bandas sonoras imaginarias para sus artistas predilectos, sobre todo con su amada Lilian Harvey. Su Sinfonía de las Siete Estrellas consta de siete movimientos inspirados en los actores Douglas Fairbanks, Lilian Harvey, Greta Garbo, Clara Bow, Marlene Dietrich, Emil Jannings y  Charlie Chaplin en los papeles más importantes del cine.

Esta obra de unos 43 minutos de duración, es de grata audición por la suavidad de terciopelo de sus melodías. Se inicia con una especie de rapsodia por parte del saxofón, la flauta y el flautín, acompañado de la orquesta que con los timbres exóticos de la percusión, crea un ambiente misterioso. Hay acordes tenues por parte del arpa hacia el final del primer movimiento que nos conducen hacia el siguiente en suave transición. La música se anima bastante en el cuarto movimiento Clara Bow et la joyeuse Californie, un scherzo divertido, con la participación de los cobres y las cuerdas. Marlene Dietrich es el quinto movimiento: el arpa de modo concertante nos envuelve en un suave adagio con tintes melancólicos. El último movimiento Charles Chaplin, evoca los rápidos cambios de humor y posiblemente los movimientos bruscos y epilépticos  del gran cómico.

Discografía:

Charles Koechlin. The Seven Star Symphony. Orquesta Sinfónica de Berlín. James Judd. RCA, Red Seal. 1996.

Braga Santos: Sinfonista Apasionado

Portugal es una nación famosa y conocida por sus vinos, como los del Douro y  el Vino de Porto, sus jugadores de futbol como Cristiano Ronaldo y su producción de corcho. ¿ Que conocemos de su música?
El compositor portugués José Manuel Joly Braga Santos (1924-1988) escribió seis sinfonías a lo largo de su carrera. La primera influenciada por algunos post románticos como Vaughan Williams, Walton,  y Respighi y algunos neoclásicos como Stravinsky, Honegger y Martinu.

Francisco Rivero. Braga Santos. 2013

Presentamos hoy La Sinfonía  No. 1  en re mayor  "A los mártires y héroes de la última Guerra Mundial" (1947). Una obra llena de pasión y amor que se traduce en notas de gran energía. En primer lugar recomiendo esta obra muchísimo a los nuevos oyentes por su sencillez y facilidad de audición. Es música tonal con temas atractivos además de  una dinámica que  continuamente nos mantiene en interés y no nos deja de sorprender.

Al final de la Segunda Guerra Mundial muchos compositores dedicaron sus sinfonías a las víctimas de la Segunda Guerra, como es el caso de Shostakovich, Prokofiev, Martinú, Honegger, Stravinsky,….etc.  Si bien estas sinfonías son obras narrativas (hechas para conmover y recordar a los oyentes de aquellas épocas) y con una motivación especial por un acontecimiento de hace casi 70 años, no han pasado de moda. Ellas no han perdido su frescura y atractivo como obras de arte clásicas e inmortales.

 La obra, de unos 36 minutos de duración  se estructura en tres movimientos

I. Molto sostenuto - Allegro energico  

II. Andante, molto tranquillo

III. Allegro assai

El primer movimiento se inicia con unos acordes en los bajos que van modulando poco a poco para construir una melodía sencilla pero de mucha fuerza que genera un ambiente de solemnidad. El sonido ronco de maderas viejas en los instrumentos de cuerdas va a garrando fuerza y calor como un vino de Oporto en el paladar. El segundo tema un poco más movido evoluciona en pasajes agresivos marcados por los golpes de percusión y estacatos en las cuerdas.

El segundo movimiento más tranquilo y de textura homofónica, avanza lentamente entre golpes mudos del timbal y melodías de las cuerdas y las maderas llenas de nostalgia. Aquí la flauta asume momentos de gran lirismo.

El tercer movimiento, que entra en attaca, irrumpe con los violonchelos y contrabajos en los registros más bajos, contraponiéndose en dos grupos. Al final volvemos con el tema inicial del primer movimiento para darle a la obra un carácter cíclico.

 

Discografía:

Portuguese Symphony Orchestra conducted by Álvaro Cassuto. Marco Polo.

Carl Nielsen El Inextinguible

Carl Nielsen (1865- 1931)

Hay músicos que pasan de moda y su obra se extingue como el fuego cuando le falta el oxigeno. Carl August Nielsen es el músico más conocido de Dinamarca. Su obra posee suficiente oxigeno y levanta fuego. Fue uno de los grandes sinfonistas del siglo XX,  cuyos aportes a la música moderna son incuestionables. Compuso seis sinfonías que son lo mejor de su obra, así como también el quinteto para vientos y sus tres conciertos, para violín, clarinete y flauta. Son todas obras bastante ejecutadas hoy en día.

Nacido en el seno de una familia campesina muy pobre con doce hijos, en la localidad de Nørre Lyndelse,  aprendió desde temprana edad los rudimentos de la música, con la ayuda de  su padre, que era un pintor de casas, era un músico aficionado que tocaba en bandas de la localidad.

Francisco Rivero. Nielsen El Inextinguible.

 A los catorce años tocaba en una banda militar y recibía clases de violín. En 1884 se traslada a Copenhague para seguir estudios formales de música. Estudia en el Conservatorio Real hasta 1886. Domina la técnica del violín y estudia composición con el músico danés Niels Gade. Al graduarse obtiene una posición en la Orquesta Real como segundo violinista. En 1890 emprende una gira por Europa, viajando a Francia e Italia. En París conoce a la escultura Anne Marie Brodersen, con quien se casa. En 1894 la Orquesta Real de Copenhague estrena  su primera sinfonía. La obra fue un gran éxito y se ejecutó en Berlín en 1896.

A partir de 1900 Nielsen recibe una pensión del gobierno que le permite dedicarse a la composición. Obtiene una posición como profesor de la Academia de Música de Copenhage, cargo que desempeña hasta su muerte. Su esposa era una mujer artista de mente liberal y se desentendía del hogar y de los hijos, teniendo Nielsen que criarlos y además atender sus obligaciones como músico. Sus problemas familiares y profesionales, así como la primera guerra mundial, lo afectaron mucho y marcaron el carácter serio y algo sombrío de su cuarta y quinta sinfonías, consideradas por algunos críticos como las mejores. En 1925 sufrió un ataque al corazón, que lo limitó mucho en su carrera. Sin embargo siguió componiendo hasta su muerte en 1931. 
 

Su música de estilo neoclásico se adelantó a la época, se vistió de nuevops ritmos y colores orquestales de gran exquisitez, haciéndose cada vez más moderna, a medida que desarrollaba su técnica propia de composición conocida como Tonalidad Progresiva.

Discografía:

1.       Nielsen. Las sinfonías. Orquesta Sinfónica de San Francisco. Herbert Blomstedt. Decca.
2.     Nielsen. Concierto para flauta. Quinteto de vientos. James Galway. RCA Red Seal.
3.      Nielsen. Concierto para violín- Concierto para clarinete- Concierto para flauta. Orquesta sinfónica Bournemouth. Kees Bakels. Naxos.

 Hoy escuchamos su Sinfonía No. 4, "La Inextinguible" , una obra imperecedera del arte moderno, que despierta la conciencia del hombre con sus intrépidos golpes de timbales.