jueves, 6 de mayo de 2010

Igor Stravinsky



Igor Stravinsky

El músico que liberó al ritmo.

El compositor ruso Igor Stravinsky (1882-1971) ha sido reconocido como la figura más importante del panorama musical del siglo XX. Su influencia sobre el desarrollo de las nuevas corrientes del siglo XX, se asemeja a la del pintor Pablo Picasso en las artes plásticas. Gran parte de su vida ha sido narrada por el propio autor en el libro “Stravinsky: an autobiography”, publicado en Nueva York en 1939.
Stravisnky nace en Oranienbaum un pequeño pueblo cerca de San Petersburgo. Sus ancestros eran ricos terratenientes de la aristocracia polaca y rusa que ejercían control político de todo el occidente de Rusia. Había en su familia antecedentes musicales, pues su padre Fiador Stravinski era bajo en la Opera del Teatro Marinski. Uno de sus recuerdos memorables de niñez fue haber escuchado la música de Glinka en el teatro, cuando asistió a la representación de sus dos óperas más conocidas: Una vida por el Zar y Ruslan y Ludmila. A los nueve años sus padres le asignan una profesora de piano. A los 20 años se convierte en alumno del maestro ruso Rimski-Korsakov, quien era el músico más importante en aquel momento. El trabajo con Rimski, consistía en orquestar piezas de la música clásica, asignadas previamente por el maestro, como por ejemplo sonatas de Beethoven, los cuartetos de Schubert y algunas marchas. Cada semana ambos se reunían a discutir los resultados obtenidos. Como producto de este aprendizaje compone su primera sinfonía. Bajo su influencia también compone sus dos primeras obras dentro de un estilo propio: Fuegos Artificiales (Feu d’artifice) y Scherzo Fantástico, que lo darán a conocer en el ambiente de San Petersburgo.
Pero lo que cambiaría su vida para siempre, y quizás el curso de toda la música del siglo XX, es el encuentro con su compatriota, el empresario Sergei Diaghilev, quien revolucionó el ballet moderno con su compañía de Ballets Rousses. Diaghilev estaba buscando jóvenes compositores para montar un ballet en París, desechó varias propuestas, cuando de repente se encontró con el genio de Stravinsky, a quien le encarga la música del Pájaro de Fuego, para ser presentado en la temporada de 1910. El ballet fue todo un éxito y el joven músico pasó a ser de la noche a la mañana una figura reconocida.
Stravinsky vivió en Francia durante muchos años. Durante la Primera Guerra Mundial, compone muy poco y se refugia en Suiza. En 1939 viaja a Estados Unidos huyendo nuevamente de la guerra, y obtiene la nacionalidad norteamericana en 1945. En ese país continuó viviendo hasta su muerte en 1971 en la ciudad de Nueva York.
Una constante en la carrera artística de Stravinsky, fueron los cambios imprevisibles de estilo. Para simplificar las cosas podemos hablar de tres grandes períodos estilísticos. El primero de ellos es el período ruso o primitivista, correspondiente a los tres grandes ballets que lo lanzaron a la fama en aquel París de comienzos del siglo XX, como lo “El Pájaro de Fuego” (1910), “Petroushka” (1911) y “La Consagración de la Primavera” (1913). Junto a estas obras emblemáticas habría que agregar también “Renard” (1916), “La historia del soldado” (1916) y “Las Bodas” (1923).
El segundo periodo, llamado Neoclásico se inicia con el Ballet “Pulcinela” (1920) y la obra de cámara “Octeto” (1923). Dentro de este período, que abarca hasta 1951, se darán gran cantidad de obras que han pasado a ser parte importante del repertorio, como por ejemplo la “Sinfonía en Do“(1940), “Sinfonía en tres movimientos” (1945), “Apollo” (1928) y la “Sinfonía de los Salmos” (1930).
A partir de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951, Stravinsky da otro de sus saltos estéticos e inicia lo que sería su tercer gran período llamado serialista o dodecafónico. Stravinsky y Schoenberg fueron los dos grandes músicos del siglo XX, que siguieron trayectorias divergentes. Demás está decir que los dos grandes genios de la música se ignoraron el uno al otro olímpicamente y lo único en común entre ellos fue que ambos vivieron en California en el año 1940. Sin embargo Stravinsky, en su afán de aprender todo lo nuevo y superarse, conoció y estudió el método de las doce notas gracias a su ayudante, el músico norteamericano Robert Kraft. Dentro de esta tendencia compuso “Cantata” (1951), “In Memoriam Dylan Thomas” (1954), “Canticum sacrum y Thereni” (1958).

Igor Stravinsky dirigiendo el Pájaro de Fuego a la edad de 82. La suite canción de cuna.


El Pájaro de fuego

El Pájaro de fuego de Igor Stravinsky fue un encargo del empresario ruso Sergei Diaghilev, para la música de un ballet del mismo nombre, con libreto de Michel Fokine. La obra se estrenó en el Teatro Nacional de la Ópera de Paris el 25 de Junio de 1910. La coreografía fue de Michel Fokine y los bailarines fueron: Tamara Karsavina, Michel Fokine, Alexis Bulgakov y Vera Fokina.
Existen varias versiones del Pájaro de Fuego. La primera de 1910 es un ballet en dos actos que contiene en total 15 secciones.
1. Introducción. 2.34
2. El jardín encantado de Kashchei 1.39
3. Aparición del pájaro de fuego, perseguido por el príncipe Iván 2.19
4. Danza del pájaro de fuego 1.27
5. Captura del pájaro de fuego por Iván. 0.57
6. Súplicas del pájaro de fuego. Aparición de las trece princesas encantadas 7.28
7. Juego de las princesas con las manzanas de oro. 2.31
8. Brusca aparición del príncipe Iván. 1.18
9. La ronda de las princesas. 3.49
10. Amanecer. El príncipe Iván penetra en el palacio de Kashchei. 1.30
11. Carrillón Mágico. Aparición de los monstruos guardianes de Kashchei.
Captura del príncipe Iván. Intercesión de la princesa. 5.08
12. Danza de la corte de Kashchei, encantada por el pájaro de fuego. 0.48
13. Danza infernal de todos los sujetos de Kashchei 4.48
14. Canción de cuna del pájaro de fuego. Sueño de Kashchei.
Muerte de Kashchei. 4.59
Acto II
15. Desaparición del palacio y de los hechizos de Kashchei. Alegría general. 3.12
Comentarios.

1. La música nos hace vivir un cuento de hadas en esta composición magistral del genio de Stravinsky. Escuchar el sonido maravilloso de la Danza Infernal (sección 13 del pájaro de Fuego), es una experiencia incomparable.
2. La música del Pájaro de Fuego está hecha de una combinación sorprendente de pequeños trozos de sonidos independientes entre sí, que al mezclarse producen un efecto agradable.
3. La introducción se inicia con las cuerdas mudas de los violoncelos y los bajos. El motivo principal es una melodía sencilla La-Fa-Mi-Re-Mi-Fa-La, muy simétrica, que se repite varias veces en los violoncelos, produciendo un estado de hipnosis. Luego interrumpen las maderas con sus graznidos de pájaros extraños, entablando un diálogo que se resuelve de manera violenta, acelerando el ritmo. Los pájaros emprenden su vuelo y desaparecen. Luego nuevamente el motivo principal vuelve a ser escuchado en los oboes y migra hacia las violas. Al final el movimiento se disuelve entre unas frases cortas de un oboe y el sonido cristalino del carillón.
4. La aparición del pájaro de fuego presenta una gran variedad de timbres exóticos, para los cuáles no existen palabras. El color de Stravinsky es único, producto de una mezcla secreta de timbres. Reconocemos las trompetas con sordina, los pizzicatos de los violines, el arpa y los clarinetes en los registros más altos. Después de este trozo de música tan suculento, la siguiente sección es como un postre para nuestro paladar.
5. La ronda de las princesas (sección 9), presenta una melodía bellísima de corte romántica desarrollada por el flautín, los violines y luego por las maderas. El sonido del oboe es delicado y muy suave. El colorido orquestal de las tenues veladuras es de clara influencia rusa. Hay lucimiento por parte de los solistas. El motivo principal es una frase de 13 notas, lo cual tiene que ver con las trece princesas.
6. El amanecer (sección 10) se representa con una melodía de flautas.
7. Carillón mágico (sección 11). Una música de mucho dramatismo con cambios de ritmo violentos conduce a una sección de transición poblada de sonidos amenazantes. El fagot con sus sonidos torpes y los deslizamientos de los trombones ponen la nota de humor. Hay pasajes de marimba muy variados.
8. La danza infernal (sección 13) irrumpe desde el comienzo con toda fuerza de las trompetas, cornos y trombones. En este movimiento además de encontrarnos con los timbres más fantásticos, hay un empleo del ritmo nunca antes escuchado en la música. El motivo de seis notas se repite varias veces. Luego hay un tema ligero que contrasta con el primero. La música va ganando en intensidad, hasta llegar aun vals frenético, que arrastra con su fuerza a toda la orquesta. En los registros más altos sobresale la pandereta.
9. La canción de cuna del pájaro de fuego es más bien una parodia muy cómica. En verdad esta música no tiene nada de infantil.

Discografía:
1. Valery Gergiev Orquesta Kirov, San Petesburgo Phillips 1998.
2. Leonard Bernstein Sinfónica de Israel.
3. Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.





Petrushka.

Petrushka es la segunda obra de Stravinsky para los Ballets Russes de Diaghilev y fue compuesta en 1911, de manera algo compulsiva. Después del éxito del Pájaro de Fuego, Stravinsky trabajaba en la música de su próximo ballet que sería La Consagración de la Primavera. Sin embargo abandonó el proyecto temporalmente, para dedicarse por completo a unas piezas para piano y orquesta que lo absorbían mucho y no las podía apartar de su mente. Aquella música le traía imágenes de una marioneta viviente, que en medio de un concierto, interrumpía la orquesta con unos arpegios diabólicos en cascada. La orquesta entonces le respondía con estruendos de trompeta. El resultado era un duelo en donde un terrible ruido concluía con clímax poderoso y al final la pobre marioneta languidecía. A sugerencia de Diaghilev, este debería ser el segundo acto del nuevo ballet. Entonces Stravinsky completó la partitura en un corto tiempo, incluyendo algunas melodías folklóricas rusas.
El Ballet Petrushka con música de Igor Stravinsky, libreto de Igor Stravinsky y Alexander Benois se estrenó el 13 de Junio de 1911 en el Théâtre du Châtelet París. Los principales bailarines fueron Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Alexander Orlov y Enricco Cacchetti.
La obra de unos 35 minutos de duración esta dividida en cuatro escenas con las siguientes acciones:
(Versión de 1947)
1. La fiesta popular del Carnaval. 9:58
2. En casa de Petrushka 4:19
3. En casa del moro 7:27
4. Fiesta popular en Shrovetide al anochecer 13:26
Comentarios:
1. La obra en definitiva, se basa en una fábula rusa, donde los protagonistas son tres marionetas: Petrushka (o Pedrito), la bailarina y El Moro. Eran marionetas con sentimientos humanos que se divertían en la feria de San Petersburgo durante el Carnaval. Petrushka se enamora de la bailarina al igual que El Moro. Al final el Moro mata a Petrushka, pero el fantasma de Petrushka aparece en el escenario para vengarse.
2. En esta música para ballet, Stravinsky se aleja un poco más de la tradición rusa y la música de Rimsky Korsakov, que se encuentran en el Pájaro de Fuego, para crear su propio lenguaje musical.
3. Petrushka es una caja de sorpresas, tanto por su argumento como por su música fascinante, con orquestación sumamente audaz y novedosa, para aquella época, que crea espacios sonoros llenos de colorido, vitalidad y dinamismo. Resaltan en esta composición los efectos de la percusión, la bitonalidad, el uso de ritmos muy variados (Primitivismo) y el empleo de timbres sonoros ácidos y corrosivos. No en vano es uno de los ballet más presentados en el repertorio del siglo XX.
4. La obra se inicia con un tema de fanfarria ejecutado por las cuerdas en un registro alto bastante estridente. Los toques de carillón, platillos y el gong crean un ambiente de cuento de hadas. Culmina este movimiento con una melodía de flauta que nos introduce al tema principal nuevamente, ejecutado por toda la orquesta.
5. La segunda parte contiene unos solos de piano sorprendentes.
6. El movimiento final es de gran brillo y resonancia. Presenta una serie de danzas del folklore ruso orquestadas muy modernas que recrean un ambiente festivo de Carnaval.
7. En 1946 Stravinsky reescribió de nuevo la partitura, con una orquestación algo diferente, para crear una nueva suite de Petrushka. Esta suena más ligera y aterciopelada, pero carece de la fuerza y el entusiasmo de la primera versión. Quizás la motivación principal, para reescribir a Petrushka era de tipo económico: Cuando Stravinsky compuso Petrushka en 1911 no existían los derechos de autor. La nueva orquestación de la segunda suite aparece patentada en 1947 y protegida por los derechos de autor que le dan a los sucesores de Stravinsky todas las regalías que pueda producir Desde entonces ha habido grabaciones discográficas, muy memorables, de ambas versiones.

Discografía:
1. Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.


La consagración de la Primavera.
La gente de aquel Paris de comienzos de siglo adoraba los temas rusos, quizás como una forma de alejarse de la realidad en que vivían. Había en el ambiente cultural de aquella época una especie de rechazo a las civilizaciones muy refinadas y alienantes como la europea de fines del siglo XIX y comienzos del XX. El ideal poético, impulsado por los simbolistas, eran las civilizaciones primitivas, no contaminadas, donde los hombres vivieran en estrecho contacto con la naturaleza y mantuvieran sus rituales primigenios.
La Consagración de la Primavera (Le sacre du pritemps) es el tercer ballet compuesto por Igor Stravinsky, para los Ballet Rusos del empresario Segei Diaghilev. El libreto se debe a Igor Stravinsky y Nicholas Roerich. Se estrenó en el Théâtre de Champs-Elyseés París el 28 de Mayo de 1913 con coreografía de Vaslav NIjinsky, siendo los principales bailarines Maria Piltz, M.V. Guliuk y Vorontzov.
La música para el ballet la Consagración de la Primavera Cuadros de la Rusia pagana en dos partes (versión de 1913), es de unos 34 minutos. Se estructura de la siguiente forma:

Acto I, Adoración de la Tierra
1. Introducción 3:22
2. Augurios Primaverales. Danza de las Adolescentes 3:35
3. Juego del Rapto. 1:00
4. Rondas Primaverales. 3:30
5. Juego de las Tribus Rivales 1:33
6. Cortejo del Sabio 1:06
7. El Sabio 0:24
8. Danza de la Tierra 1:20
Acto II, El Sacrificio

9. Introducción 3:53
10. Círculos Misteriosos de las Adolescentes. 3:06
11. Glorificación de la Elegida 1:43
12. Evocación de los Antepasados 0:45
13. Acción Ritual de los Antepasados 3:34
14. Danza Sagrada. La Elegida. 4:59

Comentarios:
1. Escuchemos ahora esta música fantástica, semejante a una selva intrincada. Una selva poblada de notas salvajes con un fondo de grandes disonancias polifónicas. Una música sensual y erótica, que despierta los instintos primitivos. Siente los cambios abruptos de ritmos. Las sonoridades tímbricas que casi agotan el registro de los instrumentos. La forma endemoniada de golpear esos diez timbales y las estridentes trompetas. La suavidad y ternura de algunos pasajes llevados por las flautas y oboes cuidadosamente instrumentados. Las notas oscuras y ásperas de los saxofones y fagotes. La gran variedad de melodías superpuestas que rompen con el discurso musical tradicional creando un clima general abstracto de “caos y desorden”.
2. Con esta música tan de vanguardia, el compositor llegó a la apoteosis del primitivismo o período ruso. La Consagración de la Primavera es una obra fundamental del siglo XX, que influyó en el desarrollo creativo de los principales compositores, por varios aspectos. En primer lugar al incorporar el ritmo como un elemento articulador del movimiento horizontal de la música. El ritmo obstinado, incisivo y avasallante que rompe con el discurso musical, estableciendo nuevos patrones de articulación en pequeños grupos sonoros de motivos que se repiten. Motivos contrastantes e inconexos entre sí, y que sin embargo le dan unidad y coherencia a toda la obra. En segundo lugar el uso de disonancias y armonías exóticas que deforman o casi rompen con la estructura tonal tradicional. También es revolucionario el empleo de nuevas sonoridades creando una paleta tímbrica de colores cálidos y rojos muy personal, que expresa sensaciones y emociones desconocidas hasta entonces, lo cual amplía considerablemente las posibilidades de comunicación de la música con el oyente.
3. La intención de Stravinsky con La Consagración de la Primavera, fue llevar al máximo su estilo primitivo de contrastes sonoros y ritmos violentos, para escandalizar a un público ávido de nuevas sensaciones. De acuerdo a sus palabras, era su intención “mandar todo al demonio”. La noche del estreno fue un verdadero escándalo: la gente se peleaba en el teatro por causa de aquel caos sonoro, incomprensible para algunos y defendido por otros, fieles seguidores de la vanguardia musical, quienes intercambiaron puñetazos en las gradas. En el segundo acto la policía tuvo que intervenir para imponer el orden.

4. La introducción presenta una gran variedad de melodías por parte de las maderas. Se inicia con un motivo melódico de seis notas por parte del clarinete, de mucha sensualidad, que anuncia la llegada de la primavera. El tejido musical se enriquece con el contrapunteo de las flautas oboes que semejan los cantos de los pájaros en la alborada.

5. Los augurios primaverales, danzas de las adolescentes es una de las secciones más dinámicas de toda la obra. Esta conformada por secciones autónomas e independientes con sus ritmos propios, que chocan de manera compulsiva y se recortan entre ellas violentamente. Los violonchelos y los 8 cornos imponen su ritmo subyugante semejante una marcha de elefantes sobre una llanura. Concluye con una danza frenética de carácter folklórico que se eleva hasta un clímax de de gran potencia y esplendor.

6. Juego del rapto. En medio de un clima general de efervescencia, alegría incontrolada y agitación los metales elevan sus notas a todo volumen, como una proclama del ritual próximo a iniciarse. Es un movimiento corto de carácter nervioso y agitado.

7. Rondas primaverales. Movimiento lento que contrasta con el anterior por el amor y la dulzura de las flautas, presentando un tema inicial muy fresco y pastoril, secundado por los clarinetes y oboes que dibujan tiernas melodías. Luego surge un tema nuevo, que se proyecta desde los registros más bajos, de hondas resonancias y ejecutado por los cornos, los fagotes y el tambor de caja. Es una melodía sinuosa de carácter oscuro y misterioso, en forma de ostinato, que se arrastra con dificultad. Al final se hace más insistente y se eleva a registros muy altos. Después de un interludio muy corto volvemos al tema inicial de las flautas que s desvanece suavemente.

8. Juego de las tribus rivales. Movimiento rápido y alegre con brillantes intervenciones de los trombones y la percusión. Choques violentos entre las distintas secciones de la orquesta. Concluye con una figura de móvil perpetuo, que recuerda los movimientos mecánicos de las máquinas.

9. Cortejo del sabio. Es una sección muy corta que representa una danza primitiva marcada por un ritmo diabólico y descontrolado. Una música sincopada, en donde se percibe el desfase entre los metales y la percusión, lo cual le da connotaciones salvajes y aterradoras.
10. El Sabio. Danza de la Tierra. Se trata de una música formada por varias capas melódicas diferenciadas entre sí con distintos ritmos y tonalidades que crean un ambiente de mucha tensión y energía reprimida. Destacan algunos segmentos brillantes y de timbres muy exóticos, característicos de Stravinsky, por parte de las trompetas en sordina y la percusión.
11. Danza sagrada. La elegida. En esta última sección culmina el ritual con la danza de la doncella, sin detenerse hasta morir. La música refleja por un lado el hechizo y la atracción de una atmósfera exótica y por otro lado, la acción brutal, salvaje y violenta de una ceremonia cargada de profundo erotismo, que calienta la sangre y excita los sentidos. Es la descripción musical del movimiento más bárbaro que podamos imaginarnos: el cuerpo desnudo de la joven que se deja llevar por el ritmo acelerado de la música. Una música de timbres sonoros ácidos y disonantes, cuyas notas a veces punzantes se acumulan en trozos que avanzan a un ritmo desafiante.
Instrumentación: La instrumentación para esta pieza, bastante inusual para su época, por el tamaño descomunal de la orquesta, es la siguiente: flautín, 3 flautas, flauta alta, 4 oboes, corno inglés, clarinete en re, 3 clarinetes en la o si, clarinete bajo, 4 fagotes, 2 contrafagotes, 8 cornos franceses, 2 tubas wagner de tenor, 4 trompetas, trompeta bajo, 3 trombones, 2 tubas bajo. Percusión: 10 timbales, gong, bombo, triángulo, pandereta, güiro, címbalos. Cuerdas.
Discografía:
1) Ernest Ansermet. Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2004.
2) Leonard Bernstein. Orquesta Filarmónica de Israel. DG.


Pulcinela, versión de 1947. Ballet en un acto para pequeña orquesta y tres voces solistas.

Pulcinella.

Pulcinella. Ballet sobre temas de Giambatista Pergolesi, está basado en una comedia musical italiana del siglo XVIII. Obra compuesta por Igor Stravinsky (1882-1971) entre 1919-1920 para los Ballet Rusos de Sergei Diaghilev. El bailarín Leonide Massine creó el libreto y la coreografía. El pintor Pablo Picasso hizo el diseño de los trajes y el decorado del escenario.
Fue estrenada en París bajo la batuta de Ernest Ansermet en Mayo de 1920.
La música del Ballet Pulcinella de Igor Stravinsky consta de 18 partes.
1 Overtura. Allegro moderato 1:51.
2 Serenata: Largheto “Mentre lérbetta” (tenor) 3:30
3 Scherzino: Alegro 1:36.
4 Allegro 1:18.
5 Andantino 1:16.
6 Allegro 1:46
7 Ancora poco meno “Contento forse vivere” (soprano) 1:47.
8 Allegro assai 1:45.
9 Allegro- Alla breve “Con queste paroline” Bajo. 1:15.
10 Largo “Sento dire non cé pace “Soprano / tenor/bajo 5:26.
11 Allegro – Alla breve 1:15.
12 Tarantella 1:19.
13 Andantino” Se tu m’ami” Soprano. 2:37.
14 Allegro 0:53.
15 Allegro 3:59.
16 Gavotta con due variazion 1:32.
17 Tempo di minuetto “Pupillette, fiammente d’amore”
Soprano / tenorbajo 2:23.
18 Allegro assai. 2:14.



Comentarios:
1. Pulcinella representa un cambio radical en la trayectoria estilística de Stravinsky, con relación a su etapa primitivista. El autor vuelve su mirada hacia el pasado en busca de la claridad y serenidad clásica, iniciando una nueva etapa en su producción (la segunda) conocida como período neoclásico. De aquí en adelante se empiezan a dar los continuos retornos hacia el pasado, buscando inspiración en la obra de Bach, Mozart, Haydn y otros autores.
2. El material musical lo toma prestado de algunos segmentos de la obra de Pergolesi, compositor italiano del siglo XVIII. La idea del compositor no es una vuelta al pasado para reproducirlo tal cual y tratar de revivirlo, como los anticuarios. Es por el contrario, usar estas fórmulas arcaicas y pasadas de moda, para ironizar sobre ellas y contrastarlas con los sonidos y ritmos modernos. Así pues escuchamos una versión nueva del siglo XX, con acentos y sonoridades distintas, ritmos más pronunciados y algunos ostinatos.
3. Diaghilev quería un ballet basado en la Comedia del Arte del siglo XVIII y el mismo se dedicó a buscar los manuscritos de la música, supuestamente de Pergolessi, pero luego se ha demostrado que en realidad pertenecen a otros autores como Domenico Gallo, Carlo Ignazio Monza, y posiblemente Alessandro Parisotti y Unico Wilhelm van Wassenaer. A petición de Diaghilev, Stravinsky estudió los manuscritos, provenientes de las bibliotecas de Nápoles y Londres y así nació un nuevo proyecto que conectaría la música moderna con la antigua. Stravinsky tomó muchos temas prestados, los rescribió con instrumentación moderna, cambió algo de los ritmos y los acentos y así nació esta hermosa música.
4. Está orquestado para una pequeña agrupación de cuerdas acompañada de un barítono, una soprano y un tenor. En 1922 compuso una suite con música del ballet, sin la parte cantada, la cual fue revisada en 1944. En 1925 compuso otra versión para violín y piano conocida cono La Suite Italiana.

Discografía:
1. Ernest Asermet Orquesta de la Suisse Romade – Decca 2001.

Gil Shaham - Stravinsky Violin Concerto - 1st Movement

Concierto para violín en Re.
Este concierto para violín que data de 1931 y nace como una comisión del compositor norteamericano Blair Fairchild, para ser ejecutado por el violinista Samuel Dushkin. La partitura posee una historia algo curiosa. En una reunión que sostuvieron Stravinsky y el violinista, después del almuerzo, el gran compositor hace algunas consultas sobre los aspectos técnicos del violín, instrumento para el cual nunca ha escrito obra alguna. Stravinsky ha creado en el pentagrama un acorde de tres notas, exageradamente abierto en sus intervalos, y le pregunta al solista si es posible utilizarlo para una pieza. Al principio Dushkin dijo que era imposible, pero al término de unos pocos días, durante los cuales practicó el famoso acorde, dijo que si era posible, lo cual fue del agrado de Stravinsky. Este acorde que da inicio a todos los movimientos del concierto, sirve de anclaje para estructurar la obra.
El Concierto para violín en Re de Igor Stravinsky es una obra de unos 20 minutos de duración y se estructura en cuatro movimientos.
I. Tocata 5:38.
II. Aria I 4:05.
III. Aria II 5:06.
IV. Capriccio 5:48.

Comentarios:
1. El Concierto en Re es una obra de la etapa neoclásica de Stravinsky, llena de abundante referencias al barroco. La instrumentación bastante reducida y la línea melódica clara y sencilla crean una atmósfera diáfana, serena y evocadora del pasado, pero sin nostalgias. Hay un fino toque de humor en la manera de llevar los tiempos y la dinámica bastante moderna, usando materiales del pasado y despojándolos de su seriedad arcaica.

Discografía:
1. Anne Sophie Mutter. Orquesta Filarmonía. Paul Sacher. D.G. 2006.
2. Viktoria Mullova. Orquesta Filarmónica de Los Angeles. Esa Peka Salonen. Phillips.

(Coda) excerpt from Igor Stravinsky - Apollo, conducted by Paul Mauffray in Prague Rudolfinum, 1997 with the Talich Chamber Orchestra.

Apolo.

Escuchemos ahora esta música del ballet “Apollon musagète” o Apolo el rey de las musas, de Igor Stravinsky, compuesto en 1928. Es una de las maravillas del neoclásico. El ballet Apolo es un espectáculo de serenidad clásica; de una belleza pura, limpia, abstracta y fría que se contempla a sí misma. El argumento se basa en el Dios Apolo, su nacimiento y vida en el Parnaso rodeado por las tres musas: Calíope, la que proporciona el ritmo a los versos; Polimnia, la que inspira a los poetas que se acompañan de la lira y Terpsícore la que se consagra a los ritmos de la danza.
El ballet creado para los Ballet Rusos por el coreógrafo George Balanchine captura la esencia del arte de la danza en lo que se ha llamado el “Ballet Blanco”: un espectáculo que combina la gracia y el equilibrio de la danza clásica con la coreografía moderna, más atlética y que se adapta muy bien a los gustos de la nueva etapa de Stravinsky. Su música es tersa y suave, pues apenas requiere de un pequeño conjunto de cuerdas: Con una textura musical rala y ligera que casi flota en el aire, la música se eleva al Parnaso. Esta diferencia abismal con las sonoridades duras, los timbres ácidos y los ritmos espasmódicos de la Consagración de la Primavera, representa un giro copernicano en la carrera del compositor.
El ballet Apolo es una obra de una media hora de duración y se estructura en 10 partes:

1. Part I (Prologue): Naissance d'Apollon 4:36
2. Part II: I. Variation d'Apollon (Apollon et les muses) 3:07
3. II. Pas d'action (Apollon et les trois muses: Calliope, Polymnie 5:03
4. III. Variation de Calliope (L'Alexandrin) 1:33
5. IV. Variation de Polymnie 1:18
6. V. Variation de Terpsichore 2:14
7. VI. Variation d'Apollon 2:32
8. VII. Pas de deux (Apollon et Terpsichore) 4:22
9. VIII. Coda (Apollon et les muses) 3:36
10. IX. Apothéose 3:46.
Comentarios:
1. Apolo es una música blanda, suave y refinada, solo para cuerdas, de corte moderno. Música deliciosa, que nos aleja del mundo real, sin ningún tipo de dramatismo, hecha tan solo para disfrutarla. No describe tampoco ninguna acción en particular, pues como ha dicho su autor: La música es completamente incapaz de expresar algo.

Discografía:
Igor Stravinsky. Orquesta Sinfónica del Festival de Los Angeles. Sony. 1991.


Sinfonía de los Salmos.
Hacia 1925 Igor Stravinsky regresa a hacia la religión como una oveja descarriada. Un sufrió una lesión en su mano que le impedía tocar el piano. Entonces fue a la iglesia y se arrodilloó, le pidó a Dios por su pronta sanación. Al sentarse al piano la próxiima vez, descubrio que su abceso había sanado en forma inexplicable. Este pequeño milagro despertó su conciencia religiosa y de alí en adelante se propone componer obras sacras para alimentar su fe acercarse a Dios mediante la música. Es en este nuevo período cuando nacen tres bellas creaciones: El Ballet Apolo, El Oratorio Edipo Rey y la Sinofnía de los Salmos.
La Sinfonía de los Salmos (Symphonie de Psalmes) para coro y orquesta de Igor Stravinsky, fue compuesta en 1930. Está dividida en tres partes:
1 Salmo XXXIX 3:35
2 Salmo XL 7:12
3 Salmo CL 10:24

Comentarios
1. El estilo coral de Stravinsky es terso y agradable. La música transmite un espíritu de religiosidad sincera llevada con mucha humildad.
2. El sonido particular de esta obra se debe a su orquestación bastante discreta, en donde se han suprimido los violines y violas en la sección de cuerda y los clarinetes en la de los vientos. Por otro lado, las voces blancas se tejen armónicamente entre la trama orquestal.


Discografía:

1. Igor Stravinsky. Orquesta de la radio de Columbia CBS. Cantantes del Festival de Toronto. Sony. 1991.
2. Ernest Ansermet Coro de jóvenes de Lausana. Coro dede la Radio de Lausana. André Charlet Director de coros. Orquesta de la Suisse Romanda. Decca. 2001.


Sinfonía en Do.
A partir de los años 30 la fama de Stravinsky comenzó a elevarse hacia las alturas como la crema. Era el máximo representante de la nueva música y su figura era objeto de culto, basado en la admiración y respeto en todos los centros culturales. En 1935 emprende un tour musical, como director de orquesta difundiendo su música, que lo llevará por todas las grandes ciudades de los Estados Unidos: Nueva York, Boston, San Francisco, Los Ángeles, Minneapolis, Chicago, San Luis, Fort Worth, y Washington. Al año siguiente emprende una gira similar a la América del Sur dirigiendo la orquesta en Buenos Aires, Montevideo y Río de Janeiro. Inclusive recibe una comisión de Lincoln Kirstein para componer un ballet para la compañía American Ballet que él y Balanchine dirigían. Este Ballet “Jeu de cartes” se estrenó en el Metropolitan el 27 de abril de 1937.

Igor Stravinsky comenzó a componer su Sinfonía en C en el transcurso de estas giras. La completó en su exilio en Francia y la terminó en 1940 después de haberse exilado en Norteamérica.

La Sinfonía en Do es una obra de unos 32 minutos de duración y está estructurada en cuatro movimientos:
1. I. Moderato alla breve 10:43.
2. II. Largheto concertante 8:01.
3. III. Allegretto 5:01.
4. IV. Largo – Tempo giusto alla breve 7:08.

Comentarios:
1. Es una obra en un lenguaje bastante sencillo y fácil de seguir. Contiene algunos elementos que recuerdan a Beethoven y Tchakovsky. Esta hecha para los nuevos mecenas de Norteamérica muy ricos y generosos en cuanto a las donaciones hechas para evadir los impuestos. Personas tradicionales en materia de gustos musicales, poco acostumbrados a las disonancias del Avat Garde, de oidos castos y sencillos, y devotos admiradores de las sinfonías. Por supuesto que estas comisiones deberían ajustarse a esos patrones. Nada que ver con las disonancias de la Consagración.
2. El primer movimiento abre de manera contundente y decidida con un motivo de tres notas tocado a todo volumen que nos hace recordar la Quinta Sinfonía de Beethoven. Hay pasajes de gran virtuosismo para los cornos, el fagote y la flauta. Posee un entramado musical bastante complejo por la variedad de timbres sonoros y el contrapunto nervioso que proyecta la música hacia delante con mucha energía. La facilidad de Stravinsky para componer se pone de manifiesto en la fuerza interna de este movimiento, que brilla con luz propia en sus líneas claras, irradiando una belleza clásica incomparable.

Discografía:
Ernest Ansermet. Orquesta de la Suisse Romande. Decca. 2001.

Sinfonía en Tres Movimientos.
La Sinfonía en Tres Movimientos de Igor Stravinsky fue compuesta durante su exilio en los Estados Unidos en 1942- 1945. La obra fue una comisión de la Sociedad Filarmónica de Nueva York y fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York el 24 de Enero de 1946 bajo la dirección del propio Stravinsky. El autor la consideró como una de sus pocas obras descriptivas, inspirada en los acontecimientos de la Segunda Guerra, vistos a través de los documentales para el cine, y por eso la llamó su “Sinfonía de Guerra”. La obra contiene mucho material de proyectos y obras anteriores sin acabar. Su estilo agresivo recuerda al período de vanguardia del “Enfant terrible” de la Consagración de la Primavera.
La Sinfonía en Tres Movimientos de Igor Stravinsky es una obra de unos 22 minutos de duración y consta de tres movimientos:
I. Overture; Allegro 9:28.
II. Andante; Interlude; Lístesso tempo 6:00
III. Con moto 6:02.


Comentarios:
1. El primer movimiento de esta sinfonía presenta unos temas trágicos y agitados de expresión épica. Se abre con un silbido disonante producido por las cuerdas de los violonchelos, el piano y los cuatro cornos. Después unos pizzicatos introducen el tema principal. Es un tema esquivo y nervioso propio de las películas de suspenso. La obra se construye como en un collage: con materiales mezclados de manera bastante original en fugas barrocas y modernos ostinatos. El ritmo es quizás el único elemento integrador de esta colección de temas tan dispares.
2. El andante del segundo movimiento respira un saludable humor en el juego sutil del contrapunto llevados por las maderas. Hay pasajes de gran lucimiento para el arpa.
3. El tercer movimiento se abre paso solemnemente a golpe de timbales y trompetas en registros altos y disonantes. Son marchas de soldados hechas para los documentales de cine. En seguida volvemos al tema nervioso del primer movimiento que lucha por el triunfo. Finaliza con una marcha victoriosa.

Discografía:
Ernest Ansermet Orquesta de la Suisse Romade. Decca. 2001.
Igor Stravinsky. Orquesta Sinfónica Columbia. Sony. 1991.

4 comentarios:

  1. Me ha encantado. Soy, desde la adolescencia, admirador de Stravinsky. Gracias por el artículo. Con la venia, comparto.

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    1. Stravinsky es la puerta de entrada a la música moderna. Hay que conocerlo desde que uno es joven. Yo comencéa con Jimmy Hendrix en los 60, luego los beatles, depués el rock sinfónico, hasta caer en la música clásica. Así pues mis oidos tuvieron un buen entrenamiento y no le temo a ningún ruido o notas disonantes.

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  2. Mi primer contacto con una obra musical orquestada fue a los tres años de edad y fue con Petrushka de Igor Stravinsky Esa musica estaba en discos en un album donde mi padre escribio a maquina bajo cada disco su significado lo que nos mantenia en completa concentracion y admiracion y agrado. Fue mi introduccion y amor a la musica hasta el dia de hoy con mis 88 años.

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    1. Interesante su comentario. Los sonidos de Petrushka penetran el inconsciente y nos llevan a la infancia.

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