lunes, 3 de mayo de 2010

Arnold Schoenberg



Arnold Schoenberg
El emancipador de la tonalidad.

Arnold Schoenberg (1874- 1951), era hijo de inmigrantes húngaros que se instalaron en Viena. Su familia era judía y educaron a sus tres hijos Arnold, Ottilie y Heinrich en la fe del judaísmo, aunque Schoenberg se convierte al cristianismo en 1898, dentro de la iglesia luterana. Sin embargo se reconvierte al judaísmo en 1933. La familia de Schoenberg no tenía inclinaciones musicales. Su padre atendía una zapatería. Sin embargo el joven Arnold y sus dos hermanos mostraron dotes para la música desde pequeños. A los ocho años comenzó a recibir lecciones de violín y muy pronto comienza a componer pequeñas obras, imitando los duetos de violín de Pleyel y Vioti. Más tarde compone un trío para dos violines y viola.

A la muerte de su padre debe abandonar la escuela y trabajar como cajero en un pequeño banco, para ganar es sustento. Allí permanece por un término de cinco años. Durante su tiempo libre en las tardes, Schoenebrg estudia literatura, filosofía y aprende a tocar el violonchelo por su cuenta. Todo ello con bastante dificultad y con los medios mínimos necesarios para triunfar. Toda vida fue un autodidacta y su método de aprendizaje se basaba en el propio descubrimiento. Schoenberg fue un hombre emprendedor que transmitía su gran entusiasmo a las personas que tocaba. Un día se integra a una pequeña orquesta de cuerdas, formada por jóvenes amateurs de su misma edad, dirigida por Alexander von Zemlinsky. La amistad de Alexander, quien es tres años mayor que Schoenberg, será decisiva en su formación musical. Zemlinsky es alumno regular del Conservatorio de Viena y será un maestro y guía para él por resto de su vida.
La persecución racial en la Alemania de los años 30, lo afecta profundamente y debe emigrar hacia los Estados Unidos en 1934. Adoptó la nacionalidad americana en 1941 y vivió en Los Angeles el resto de su vida hasta su muerte en julio de 1951. Dio clases de composición en la Universidad de Southern California, la Universidad de California en Los Angeles, la Universidad de Chicago y la Universidad de Santa Barbara.

Schoenberg Verklaerte Nacht (part 1)
Live from Lincoln Center

Violins: Arnaud Sussmann, Erin Keefe
Violas: David Kim, Teng Li
Cellos: David Finckel, Priscilla Lee

Noche Transfigurada

El poema sinfónico Noche Transfigurada OP. 4 cuyo título original es “Verklärte Nacht” fue compuesta en 1899 por Schoenberg.
Noche Transfigurada es una música programática, estilo muy de moda en aquella época, donde los jóvenes compositores se inspiraban en el modelo de los grandes poemas sinfónicos escritos por Richard Strauss. La obra fue completada en tres semanas durante unas vacaciones que Schoenberg compartió junto al compositor Zemlinsky en el verano de 1899. Se basa en un poema de Dehmel que aparece en una novela titulada “Dos hombres”. Cuenta la historia del perdón que un hombre concede a un pecado de la mujer que ama y como por este perdón el mundo aparece transfigurado. Es una obra narrativa aunque el autor expresó lo contrario en alguna oportunidad. Hay cinco secciones: La primera, tercera y quinta describen la pareja deambulando bajo la luna llena. La segunda contiene una confesión de la mujer y la cuarta la respuesta del amante. El ambiente que describe es de alucinación y desesperación.

La obra Noche Transfigurada esta instrumentada para un sexteto de cuerdas en su forma original. Posteriormente, en 1943, fue transcripta por el mismo autor para una orquesta de cámara. La versión para orquesta consta de cinco partes:
1 Grave 7:33.
2 Molto Relentando 7:20.
3 Pesante 2:34
4 Adagio 11:11
5 Adagio 4:26

Comentarios:
1. Es una obra llena de pasión, dramatismo y misterio dentro de la tendencia expresionista correspondiente al primer periodo del autor. Técnicamente es una obra del romántico tardío por el uso de acordes muy complejos y escalas cromáticas.
2. Si bien es una obra tonal, la música se expande hacia otras dimensiones buscando de manera exaltada nuevas posibilidades de expresión. A pesar de comenzar y terminar la obra en la misma clave, Schoenberg se mueve más lejos de lo convencional, utilizando acordes de cuartas que se salen de la tonalidad. La música se inspira en un poema del mismo nombre de Richard Dehmel, que busca los momentos sublimes y heroicos a la manera de Wagner.
Discografía:
1. Heinz Holliger. Orquesta de cámara de Europa. Apex. 2002.
2. Giuseppe Sinopoli. Orquesta Filarmonía. DG. 1995.


Pelléas y Melisande.
En 1901 Schoenberg se casa con Mathilde, la hermana de su maestro Zemlinsky. En diciembre de ese año la pareja se muda a Berlín, en donde el compositor trabaja como músico en un teatro.
En esa ciudad compone el poema sinfónico Pelléas y Melisande Op. 5, como un proyecto sugerido por Richard Strauss en 1903. La obra fue objeto de revisiones en 1913 y 1918.
La composición esta basada en el Poema de Maurice Maeterlink “Pelleas et Mélisande”. En el mismo año y por una casualidad, el músico Francés Claude Debussy escribió una ópera basada en el mismo poema. Es una música programática que pretende narrar las acciones de los personajes. La trama del poema se centra en Melisande una bella mujer que se casa con un hombre más viejo, al cual no ama (Golo). El amante de Melisande, Pelleas, es medio hermano de Golo. Al final Melisande muere.

La obra Pelléas y Melisande de unos 45 minutos de duración, consta de 11 secciones que llevan títulos en alemán:
1 Die Viertel ein wenig bewegt- zögernd 4:29
2 Heftig 3:45
3 Lebhaft 4:26
4 Sehr rash 7:58
5 Ein wenig bewegt 4:26
6 Langsam 1:31
7 Ein wenig bewegter 3:59
8 Sehr langsam 4:48
9 Etwas bewegt 2:26
10 In gehender Bewegung 2:49
11 Breit 6:20
Comentarios:
1. Está instrumentada para una orquesta de grandes dimensiones y posee una trama contrapuntistica bastante compleja y polifónica, dentro del estilo romántico tardío, denotando una cierta influencia de Richard Strauss y Mahler. En ella encontramos pocas disonancias. La obra es de fácil audición pues la música es agradable, perfumada, fluye hacia un mar infinito como un gran río. Algunos pasajes están llenos de pasión y turbulencia mientras que en otros se derrama un tierno lirismo de gran dulzura. Este contraste de sentimientos y pasiones le da una dinámica a la obra que mantiene el interés en todo momento.
2. A pesar de ser una de las obras más convencionales de Schoenberg no fue bien recibida en su momento. El mismo Schoenberg describió la reacción del público en la noche del estreno: “La primera ejecución bajo mi dirección, provocó disturbios entre el público y aún entre los críticos. Las crónicas fueron inusualmente violentas y uno de esos críticos llego a sugerir que me pusieran en un sanatorio para locos y que me mantuvieran alejado de los pentagramas”

Discografía:
1. Heinz Holliger. Orquesta de cámara de Europa. Apex. 2002.
2. Giuseppe Sinopoli Orquesta Filarmonía. DG. 1995.


Sinfonía de cámara No 1.

La sinfonía de cámara no. 1 Op. 9 de Arnold Schomberg, fue compuesta en 1907. Es una obra de 20 minutos de duración dividida en cinco partes, tocadas sin interrupción.
Comentarios:
1. La sinfonía de cámara es una de las últimas obras del compositor, que se inscriben dentro del período expresionista. Obra sumamente compleja, emotiva y turbulenta donde el autor alcanza su madurez en el desarrollo del cromatismo alemán, heredado de Wagner y Brahms.
2. Esta obra fue completada en hacia finales de 1905 y editada en 1906. La premier fue dada en Viena en 1907. La opinión del autor sobre la consideración del público en relación a la misma es altamente emotiva “He disfrutado momentos placenteros durante la composición. Todo ha salido fácilmente y pareciera tan convincente que estaba seguro que el público reaccionara de manera espontánea a las melodías y sentimientos y apreciara la belleza de esta música tanto como yo. Aparte de ello, yo esperaba mucho del sonido de la combinación extraordinaria de quince instrumentos- esto es, cinco cuerdas, ocho maderas de viento y dos cornos”.
3. El autor reconoce el Cuarteto para cuerdas en Do sostenido No. 1 OP. 131 de Beethoven como un modelo estructural para esta obra al igual que algunas obras de Liszt y Schubert. Un modelo que ya había sido explorado en su cuarteto para Cuerdas No. 1 formado por un solo movimiento en forma de sonata. En el caso de la sinfonía de cámara hay cinco movimientos continuos que pueden considerados como: exposición, scherzo, desarrollo, movimiento lento y recapitulación o final.
4. Posteriormente Schoenberg escribe una segunda versión para orquesta completa, la cual estrenó en 1935 cuando vivía en Los Ángeles.


Discografía:
1. Heinz Holliger. Orquesta de cámara de Europa. Apex. 2002.


Cinco piezas para Orquesta.
Arnold Schoenberg además de músico, escritor y compositor fue también un pintor de vanguardia. Dejó muchos autorretratos al óleo que reflejan a un hombre serio y preocupado por las contradicciones de la vida. Son retratos de frente que muestran una mirada penetrante. Están hechos dentro de un estilo expresionista, con grandes trazos de colores bien empastados y se mezclan en armonías disonantes como su música. En ellos predominan los tonos oscuros como el negro, los grises y el sepia, contraponiéndose a colores claros como el amarillo y el naranja que expresan la angustia y la soledad del hombre en una sociedad disgregada.
En 1908 Schoenberg pensó dedicarse seriamente a la pintura. Participó de algunas de las exposiciones del grupo expresionista El Jinete Azul. Fue amigo de los pintores vieneses Oskar Kokoschka y Richard Gerstl, así como del pintor ruso Wassily Kandinsky, fundador del arte abstracto. Los cuadros de Kandinsky son una representación pictórica de la música de Schoenberg. En ellos no hay temas reconocibles ni historias que contar; son composiciones de formas y colores. Sin embargo son bellas creaciones que transmiten sensaciones imposibles de expresar mediante palabras. Los años1908- 09 fueron de crisis personal para el compositor. Las obras de este período reflejan de alguna manera sus sufrimientos, angustias y esperanzas. Las Cinco piezas para Orquesta Op. 16 de Schoenberg, fueron compuestas entre el período 1907-1909. Son piezas completamente atonales de gran expresividad que están entre las mejores obras de la Segunda Escuela de Viena.
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La obra Cinco piezas para Orquesta de Arnold Schoenberg es de unos 17 minutos de duración y esta estructurada en cinco partes

1 Vorgefühle. Sehr Rash 2:19.
2 Vergangenes. Mäbige Viertel 5:16
3 Farbe. Mäβige Viertel 3:20.
4 Peripetie. Sehr rasch 1:56
5 Dasa obligate Rezitativ. Bewegte Achtel 3:54.

Comentarios:
1. Esta obra revolucionaria para su época, presenta una variedad de técnicas de composición en cuanto a tonalidad y acordes se refiere. Esta música compuesta hace más cien años, puede resultarnos extraña e incomprensible en una primera audición. Es música atonal. Este sistema de composición fue una de las grandes revoluciones musicales que permitió liberar las disonancias y el uso de la tonalidad como elemento articulador del lenguaje musical. Es necesario escucharla varias veces y dejarnos llevar por ella. A pesar de ser abstracta tiene ritmo y melodía. Debemos acostumbrar nuestro oído a las disonancias y además captar el mensaje que encierra esta sucesión de notas, relacionadas de alguna manera. Aquí no hay armonías triádicas tradicionales. Paciencia y más paciencia.
2. La música atonal usa toda la escala cromática de doce semitonos (Teclas blancas y negras de una escala del piano) sin tener preferencia por ningún tono.
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4. En estas piezas no hay estructuras tradicionales de acordes o triadas y cuando ellas aparecen no siguen ninguna regla preestablecida. Por lo tanto no hay ningún lenguaje o gramática musical dada de antemano, lo cual dificulta un poco la atención del oyente desprevenido. Hay que poner mucha atención para comprender a este autor. Cada pieza tiene sus propias reglas de composición. Sin embargo hay algunos principios generales de composición como lo es el uso de “células” o “Conjuntos”, formadas por un pequeño grupo de acordes, que son manipuladas de diversas maneras para producir un material temático. Entonces para producir cada pieza se escoge una de éstas células para ser usada. Cada pieza consta de un conjunto de varias células que comparten ciertas similitudes como por ejemplo su relación de intervalos.
5. La primera pieza es de estilo post romántico por la fuerza y el impulso de la sección de cuerdas y el ritmo arrollador de la orquesta en pleno con un ostinato, que crea un gran desequilibrio y desgarra el espacio sonoro.
6. La pieza no. 3 llamada Colores, se basa en una suave transición de colores o timbres orquestales de extrema delicadeza. La música crea una ambientación maravillosa de carácter impresionista.

Discografía:
James Levine. Filarmónica de Berlín. DG. 1987.

Pierrot Lunaire by Schoenberg part 1
Frieda Chan, flute
Na Young Baek, cello
Yae Yeon Paik, voice
Che Yen Chen, viola
Mark Levine, violin
Kyra Krynitzsky, clarinet
Tuyen Tonnu, piano


Pierrot Lunar.
En 1912 Schoenberg completa el ciclo de canciones Pierrot Lunar, cuyo título original es “Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds Pierrot Lunaire “, una pieza para voz recitante y cinco instrumentos. Son 21 canciones con letra del poeta Albert Giraud, publicadas en 1884. La obra se divide en tres partes cada una de ellas contiene siete canciones que llevan los nombres de los respectivos poemas.
1 Ebrio de luna (Mondestrunken) 1:29
2 Columbino (Columbine). 3:05
3 El dandy (Der Dandy) 4:26
4 Una lavandera pálida (Eine Blasse Wäscherin) 5:43
5 Valse de Chopin 6:59
6 Madonna 8:07
7 La luna enferma (Der kranke Mond). 9:00
8 Noche (Nacht) 1:50
9 Súplica al Pierrot (Gebet an Pierrot) 2:46
10 Robo (Raub)
11 Misa Roja (Rote Messe) 4:37
12 Canción del patíbulo (Galgenlied).
13 Decapitación (Enhauptung)
14 En la cruz (Die Kreuse)
15 Añoranza por el hogar (Helmwech) 5:13.
16 ¡Maldad! (Gemeinhelt) 5:57.
17 Parodia (Parodie) 9:50.
18 Un rayo de luna (Der mondfleck)
19 Serenade
20 Viaje a casa (Heimfahrt)
21 ¡Oh antiguo perfume…!… (O alter Duft)



Comentarios:
1. El titulo de la obra “Tres por siete poemas del Pierrot Lunar de Albert Giraud” hace alusiones claras al misticismo de Schoenberg por los números y en especial por el número siete. De los cincuenta poemas del libro escogió 21, pues es múltiplo de siete y además es igual al número del Opus. También 21 es el inverso de 12 que fue el año de publicación de la obra. Todos los poemas tienen trece versos. El primer verso se repite en la posición siete y en la última.
2. Esta obra expresa lo mejor de la producción de Schoenberg en cuanto a estructura compositiva, técnica dodecafónica e instrumentación. El texto en vez de ser cantado es recitado siguiendo bastante de cerca la música. La voz humana se adapta a los cambios abruptos de tiempo y la entonación no es la usual: debe seguir los bemoles y sostenidos de la notación musical al igual que un instrumento. De allí el efecto antinatural y poco humano del discurso. Todo esto crea un ambiente de sueños altamente sugestivo, fantástico y maravilloso que nos llega a lo más profundo del inconsciente. Este estilo declamatorio, especie de cantinela, inventado por Schoenberg, fue llamado Sprechsttimme, y se difundió muy pronto entre los autores del siglo XX.
3. La instrumentación es bastante reducida: Piano, flauta, flautín, clarinete, clarinete bajo, violín, viola y violonchelo. La música es libre y completamente atonal, pero sin embargo hay un cuidado especial por la forma en la composición. Algunas piezas son canónicas, otras fugas. La primera es un ostinato.

Discografía:
1. Jane Manneing. Sprechstimme. Orquesta Nash. Simon Rattle director. Chandos. 1991.

Variaciones para Orquesta.
Las Variaciones para orquesta Op. 31. fueron compuestas entre 1927-28 por Arnold Schoenberg. Es una obra completamente dodecafónica.
Las Variaciones para Orquesta Op. 31 son total son nueve variaciones sobre un tema, junto con una introducción y un final.
1 Introduktion. Mäßig, ruhig 1:30
2 Thema. Molto moderato 1:01
3 Variation 1. Moderato 1:15
4 Variation 2. Langsam 1:31
5 Variation 3. Mäßig 0:40
6 Variation 4. Walzertempo 1:19
7 Variation 5. Bewegt (Agitado) 1:42
8 Variation 6. Andante 1:23
9 Variation 7. Langsam (Largo) 2:01
10 Variation 8. Sehr rasch 0:39
11 Variation 9. L'istesso tempo. Aber etwas langsamer 0:57
12 Finale. Mäßig schnel 5:22

Comentarios:
1. Representa una buena muestra de todo lo que se puede lograr con el método dodecafónico en el plano orquestal. Es una música bastante abstracta y carente de melodía pero que posee una estructura interna muy sólida. Se percibe un aire de libertad en las series formadas de doce notas, pues el timbre de los instrumentos, el tiempo y la dinámica no están regidos por leyes de tipo matemático y son de libre elección por el compositor.
2. En esta obra, estructurada bajo los moldes clásicos, Schoenberg deja atrás las prodigiosas combinaciones de contrapunto y armonías extremas de las primeras obras, creando texturas más ligeras en donde apenas sobresalen algunas líneas melódicas, lo cual definirá de aquí en adelante su estilo de composición de música serial. Las series son modificadas en estas variaciones en cuanto a ritmo y melodía.

Discografía:
1. Pierre Boulez. Orquesta Sinfónica BBC. Sony 1995.

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