jueves, 29 de abril de 2010

Steve Reich



Steve Reich
Maestro indiscutible del arte de la repetición y de las ondas fuera de fase.

El músico norteamericano Steve Reich (1936- ) es uno de los representantes de la corriente minimalista. Nació en Neva York, hijo de inmigrantes judíos de la Europa Oriental. Sus padres se separaron cuando era niño, y pasó gran parte de su niñez viajando en trenes entre Nueva York y California, donde su madre estableció residencia, tratando de abrirse camino como cantante y compositora. Después de obtener el título de Filosofía en la Universidad de Cornell N. Y. Reich decide estudiar música en Julliard School, una de las instituciones más prestigiosas de aquellos años. Allí compartió la mistad de Phillip Glass. Posteriormente se muda a San Francisco, en busca de mayor libertad en el Oeste, y se matricula en la Escuela de Música de Mill´s College. La figura principal de aquella institución era Darius Milhaud, pero sin embargo Reich se identifica más con Luciano Berio, quien era profesor visitante y de él aprende la técnica dodecafónica. Estudia algunas obras de Webern, dirigido por Berio y comienza a desechar en sus obras las armonías tonales.
A partir de 1963 comienza a vivir y participar activamente del ambiente bohemio del la ciudad en los bares nocturnos y frecuentando los clubes de jazz en donde tocaba John Coltrane. Estudia los polirritmos africanos y participa en un grupo de musical de amigos de la Universidad que tocan de manera improvisada en conciertos al aire libre. También escribe para la compañía de teatro San Francisco Mime Troupe música para teatro y multimedia, con fondo de cintas magnetofónicas, como en “EventIII/Coffe break”.
Después de obtener su título de maestría en música, Reich, abandona para siempre la música “seria y académica”, influenciado por la cultura Pop de San Francisco, y se dedica a sus propias investigaciones en el campo de la música experimental electrónica.

Nagoya marimbas, obra de Steve Reich interpretada por Yuko Yoshikawa y Max Carreon, en el Centro Nacional de Las Artes, México.


Piano Fase
La obra “Piano Phase” fue escrita por Reich en 1967, dentro de una técnica de laboratorio musical, conocida como desfasaje o “Phasing” y desarrollada por el autor en sus investigaciones con cintas magnetofónicas a comienzos de los 60.
Para comprender en que consiste esta técnica, pensemos en una carrera de bicicletas en un circuito cerrado circular con dos corredores. Ambos corredores parten de la meta al mismo tiempo. Si se supone que todos mantienen la velocidad constante durante la competencia y además cada uno de ellos emplea una velocidad distinta, entonces el corredor de la punta se adelanta al otro produciendo un desfasaje. Después de algunas vueltas se vuelve a juntar con el último y entonces entran en fase nuevamente. Este proceso de fase y desfasaje se repite periódicamente en el tiempo, creando un nuevo patrón de repetición.
La obra Piano Fase consiste de un solo movimiento de unos 20 minutos de duración.
Comentarios:
1. El método de desfasaje de Reich consiste en iniciar dos líneas melódicas tocadas de manera sincronizada, pero lentamente, ellas se desfasan al tocar una más rápido que la otra. La técnica la aplicó Reich en el estudio de grabación con cintas magnetofónicas, pero luego, cayó en cuenta que el mismo efecto se puede alcanzar con intérpretes ejecutando en vivo. En Piano Fase se tienen dos pianistas tocando una breve figura melódica de 12 notas que se repiten al unísono. Después de un rato, uno de los pianistas empieza a tocar más rápido que el otro. Cuando vuelven a tocar el motivo inicial, al tocar uno la primera nota el otro va por la segunda, y así continúan hasta que se vuelven a emparejar después de tocar doce veces el motivo melódico. Luego interpretan un motivo de ocho notas y vuelven a desfasarse.
2. La misma técnica fue empleada en otras obras como Violin Phase (1967), Phase Patterns (1970) y Drumming (1971). Posteriormente Reich escribió una segunda versión de la obra para dos marimbas.
Discografía:
Ensemble Avant garde. Wergo. 1999.
Drumming, by Steve Reich (2 of 2)

Drumming.

Drumming, compuesta en 1971, para un conjunto de percusión conformado por diversos instrumentos y voces, es una de las obras más completas, relevantes y conocidas del músico norteamericano Steve Reich.
La obra se divide en cuatro partes ejecutadas por diversos instrumentos:
1. 4 pares de bongos 17': 25'
2. 3 marimbas, 2 dos voces femeninas 18':26'
3. 3 glockenspiel, flautín y silbidos 11':16'
4. El conjunto completo 10':19'
Comentarios:
1. Esta composición de Reich, surge como consecuencia de sus estudios sobre la música Centro Africana realizados en la Universidad de Ghana con Gideon Alorworye, el maestro oficial tamborero del Grupo de Danzas de Ghana. Tiene como base una pequeña célula melódica en ritmo de 12/8 que se escucha de manera insistente en el fondo.
2. Durante más de una hora, Reich nos propone la transformación meticulosa, pausada pero constante de una única célula rítmica que se desarrolla en cuatro secciones diferentes. El patrón inicial es desarrollado para generar nuevos patrones que se superponen y que más tarde serán duplicados por la voz femenina y finalmente por el flautín.
Discografía: Drumming. Steve Reich and Musicians: Nonesuch Records.


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Música para 18 músicos.
Entre 1974-76 Steve Reich compuso la pieza minimalista “Music for 18 Musicians”. Ha sido considerada por mucho como la obra más lograda de Reich y quizás una de las obras claves de la segunda mitad del siglo 20.
Instrumentación: La obra está instrumentada para 4 voces femeninas, 4 pianos, 3 marimbas 2 xilófonos violín, cello, 2 clarinetes, clarinete bajo y un metalófono.
La Música para 18 músicos tiene una duración de 56 minutos y está dividida en 12 secciones.
Comentarios:
1. La principal preocupación del autor es presentar cambios de armonía, ritmo y orquestación partir de células que casi se repiten.
2. La obra contrapone instrumentos del mismo timbre: los pianos y xilófonos mientras el bajo permanece constante, para lograr armónicos secundarios que surgen de manera natural por efectos de las ondas sonoras. De alguna manera se está generando música sin ser ejecutada directamente. Esto crea un entramado de mucha complejidad que mantiene el interés del oyente.
3. En esta composición no hay director. Reich pensó en los conjuntos de tambores del África occidental o el Gamelán de Bali en donde todos participan por igual. Los miembros de la orquesta tocan juntos y deciden cuando cambiar el ritmo o la melodía liderizada por el vibráfono o el primer clarinete.

Discografía:
1. Steve Reich Music for 18 Musicians ECM Records. 2000.
2. Steve Reich. Ensemble Modern. RCA.

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